О том, как я поступила в Школу интерпретации современного искусства, я написала здесь
Уже три недели я слушаю лекции, участвую в обсуждениях, посещаю практические занятия и открытие выставок современных художников в Школе, находящейся на Пушкинской 10.
Почему я пришла в нее?
Так получилось, что в Петербурге мало заведений, обучающих современному искусству. Не обучающих, как создавать искусство, а как в нем жить, находиться, понимать. Мне всегда это было интересно, потому что современное искусство это другой вид искусства, а художники это не те же художники, что на Ярмарке мастеров или на Невском, к примеру.
Это особый, отдельный вид искусства. Ему просто названия не придумано, поэтому называют также "художники".
А так как в мире повелось, что все художники должны уметь рисовать, и картины (скульптуры, арт объекты) должны быть красивыми, то то, что делают современные художники, называют страшным и безвкусным. Хотя объекты современного искусства можно сравнивать только с объектами современного искусства, а никак не с живописью. Потому что это СОВСЕМ ДРУГОЕ. Это как один вид животного сравнивать с другим и говорить, что второй некрасивый и глупый, потому что не похож на первого.
Признаться, есть ничем не выделяющиеся объекты, но есть просто ошеломительные инсталляции, от которых дух захватывает!
А так как "современное искусство" происходит здесь и сейчас, и это то самое актуальное, что есть в мире, мне очень любопытно к нему прикоснуться. Не знаю, в конечном итоге, куда заведут меня поиски моего места среди творцов, возможно, я никогда не остановлюсь в этих поисках. Знаю точно, что мне всегда было мало просто картины, каждый раз на нее хотелось что-то добавить. Этим объясняется сочетание живописи и декоративно-прикладного творчества в моих работах.
Впрочем, чужие происзведения я воспринимаю целостно. А на свои зачастую смотрю и думаю: почему у нее тут нет объема? Почему она в пространстве не продолжается?
Всю творческую карьеру я активно экспериментирую с формами, техниками, материалами. Мне не достаточно того, что есть, мне надо это смешать. А если этого нет, то придумать свое, изобрести его. Я собираю все, что интересно, все умения и знания, и создаю свое. Что будет дальше? Посмотрим... 
За три недели подкопилось фотографий, делюсь ими с вами.
V Биеннале Фехтование в искусстве
Арт- центр "Пушкинская 10"
Галерея Navicula Artis
Встреча с художницей Анастасией Кизиловой.
Анастасия Кизилова родилась в Ленинграде в 1986 году. В 2010 году окончила Санкт-Петербургскую художественно-промышленную академию им. А. Л. Штиглица, обучаясь на кафедре дизайна костюма. Участник многочисленных выставок в России и за рубежом. Работы художника находятся в коллекции МВО «Манеж» (Москва), а также в частных собраниях. Живет и работает в Москве.
Творчество Анастасии Кизиловой органично прорастает из плодотворного наследия русского авангарда. Идея жизнестроения близка художнику, не разделяющему труд портнихи и свободное творчество. Она создала униформу художника — платье-ризу, которую выкраивает из черного квадрата ткани. Каждый, кто облачается в униформу, становится художником. Так она переопределяет образ творца и сами границы искусства. Эта утопическая идея униформы демократизирует артистическую сферу, открывая её для другого.
В проекте «Суккулентотерапия» Анастасия Кизилова продолжает авангардную традицию синтеза живого и мертвого, науки и искусства. Она создает «картины растущих тел», дополняя реальность холста прорастающими сквозь него суккулентами (растениями, могущими существовать в жарком сухом климате благодаря способности накапливать воду). Растения-стоики, живущие в условиях на грани выживания, как и обделенное вниманием артистическое общество Санкт-Петербурга, давно нуждающееся в терапии.
В перформансах (сеансах суккулентотерапии), которые будут осуществлены в рамках выставки, художник попытается разомкнуть тугой обруч петербургской арт-среды, привнеся в нее новые смыслы совместным чтением текстов. В каждом сеансе суккулентотерапии художник будет взаимодействовать с аудиторией, конструируя новое сообщество вокруг текста, основанное на взаимовлиянии растений и людей.
На открытии выставки "Белым по белому и белым по красному"
В мастерской художника Александра Дашевского.
Дашевский родился в 1980 году в Ленинграде. Окончил экономический факультет Санкт-Петербургский университет кино и телевидения, затем поступил на искусствоведческий факультет в институт имени Репина. Живописи Дашевский учился у художника М. К. Иванова.
Александр - молодой Петербургский художник, вошедший в «8 лучших художников мира» по мнению журнала Forbes. В 2016 году стал победителем международной премии Arte Laguna Prize в секции «живопись». Член IFA Творческого союза художников Санкт-Петербурга. Работает с галереей Anna Nova.
Прежде всего, Александр Дашевский известен своей серией «Недвижимость», в которой он изображает непарадную сторону Петербурга, среди них окрестности проспект Маршала Жукова, где он вырос. В масштабной серии нет ни колоритных типажей, ни грязно-желтых дворов-колодцев, ни пастельно-акварельных сентиментальных пейзажей. Все это выродилось в туристический аттракцион. Дашевский стал певцом лаконичной архитектуры петербургских окраин. Наконец-то нашёлся художник, залюбовавшийся бетонной многоэтажной «точкой» и рассмотревший графическую красоту «домов-кораблей». Все маргинальное становится нормой: именно так возникла эстетика пресловутых дворов-колодцев. Вероятно, пришло время канонизировать и типовые здания петербургского Юго-Запада. Можно обвинить Дашевского «в формализме» и издевательстве, а можно порадоваться тому, что появился новый взгляд на то, что принято называть «уродливым», «серым» и «однообразным».
Последние несколько лет Дашевский экспериментирует с формой холста: дробит, создает работы сложной неправильной формы, коллажирует. Таким образом автор исследует возможности живописи, как медиума.